O filme dirigido por Chloé Zhao, disponível no Prime Video, se afasta da cinebiografia tradicional para mergulhar na dor e na complexidade das relações familiares após a morte do jovem Hamnet, filho de William Shakespeare. A obra, baseada no romance de Maggie O’Farrell, utiliza a ficção para preencher lacunas históricas e explorar o impacto do luto, sugerindo que a arte pode emergir como um processo de elaboração de perdas irreparáveis.

A relação entre a morte de Hamnet Shakespeare, aos 11 anos em 1596, e a posterior criação da tragédia Hamlet, é uma hipótese que fascina há séculos, mas carece de comprovação histórica. O filme de Chloé Zhao abraça essa especulação como ponto de partida para uma narrativa focada na dimensão humana da família Shakespeare. Ao invés de traçar a trajetória ascendente do renomado dramaturgo, a obra direciona seu olhar para a vida doméstica em Stratford e para as figuras que ele deixou para trás enquanto construía sua carreira em Londres. Essa escolha, elogiada pela crítica, humaniza o icônico escritor, evitando que ele seja reduzido a um mero monumento literário.

Um Shakespeare longe do pedestal

A perspectiva adotada pela cineasta Chloé Zhao inverte a ordem habitual das cinebiografias. Em vez de centrar a história em William Shakespeare, o filme eleva a figura de Agnes Hathaway, interpretada por Jessie Buckley. O nome Agnes, documentado como uma das formas de se referir à esposa de Shakespeare, reforça a conexão com a realidade histórica. A primeira parte do filme dedica-se a construir a intimidade do casal, a formação de sua família e o cotidiano marcado por pequenos gestos, desacelerando o ritmo para que o espectador se conecte com os personagens antes da tragédia iminente.

Quando o luto ocupa o centro da narrativa

A morte de Hamnet, no filme retratada como consequência da peste, embora a causa real permaneça incerta, não é apenas um ponto de virada na trama. Ela representa o desmoronamento de um mundo cuidadosamente construído. Críticos como Waldemar Dalenogare destacam que a recusa em seguir o formato tradicional de cinebiografia é uma das maiores virtudes da adaptação. Ao invés de glorificar o “gênio Shakespeare”, o roteiro opta por investigar a reação de uma família ao trauma. Essa abordagem, segundo Dalenogare, confere à experiência cinematográfica uma intimidade e universalidade que uma simples reconstrução histórica não alcançaria.

O tratamento do luto é um dos aspectos mais unânimes nas análises. Isabela Boscov ressalta que o filme não se limita à dor materna, frequentemente explorada pelo cinema, mas também aborda o sofrimento paterno, geralmente retratado de forma mais sutil. A perda de Hamnet afeta cada membro da família de maneira distinta, onde o silêncio ganha tanta força quanto os diálogos.

A linguagem do filme

A capacidade de Chloé Zhao em traduzir emoções em imagens é um dos pilares do impacto da obra. A paisagem, por exemplo, funciona como uma extensão dos personagens, refletindo seus estados internos. A natureza exuberante acompanha Agnes em seus momentos de liberdade, enquanto os ambientes domésticos se tornam mais proeminentes à medida que as responsabilidades, perdas e silêncios definem sua vida. O filme comunica profundamente os estados emocionais sem depender exclusivamente das falas.

Essa sensibilidade se estende às atuações. Jessie Buckley é amplamente elogiada por sua interpretação de Agnes, transmitindo uma gama de emoções com olhares e gestos. Alissa Wilkinson, do The New York Times, aponta que Buckley sustenta a jornada emocional do filme, transformando o sofrimento de Agnes em algo devastador, mas sem excessos. Paul Mescal, como Shakespeare, também recebe elogios, embora seu papel seja menos central. Críticos observam que seus momentos mais impactantes surgem quando ele, quase sem palavras, transparece o peso da culpa e da ausência.

O que muda em relação ao livro

A adaptação cinematográfica apresenta mudanças significativas em relação ao romance de Maggie O’Farrell. Ana Sánchez de la Nieta, em crítica para o site espanhol Aceprensa, aponta que a narrativa optou por uma estrutura cronológica, em contraste com a alternância de tempos do livro. Além disso, a história de amor entre Agnes e William é fortalecida, e a presença de Shakespeare é ampliada. Essas alterações, segundo a crítica, tornam o drama mais acessível e emocionalmente intenso, preservando a reflexão sobre o luto e expandindo seu alcance cinematográfico.

Arte, memória e criação

Alissa Wilkinson adiciona uma camada de profundidade ao analisar como o filme evita uma simplificação da criação de Hamlet. Em vez de sugerir que experiências pessoais são reproduzidas literalmente na arte, a crítica compara o trabalho do artista a alguém que recolhe fragmentos da própria vida e os transforma em algo novo com o tempo. Essa abordagem impede que a relação entre Hamnet e Hamlet se reduza a uma explicação mecânica para uma das maiores obras literárias.

O resultado final, segundo o consenso da crítica, é menos uma cinebiografia de Shakespeare e mais uma profunda reflexão sobre como o sofrimento molda indivíduos, relações e processos criativos. Ao tratar a hipótese da origem de Hamlet como ficção, o filme se abstém de apresentá-la como fato histórico, concentrando sua força na dimensão humana do luto. Em vez de oferecer respostas definitivas, a obra investiga uma verdade emocional: a de que algumas perdas, embora jamais desapareçam, encontram novas formas de permanecer vivas através da memória e da arte.